Charla con Marcos Jiménez González y Jaime Romero Leo
sobre el libro El totalitarismo en las artes. Revista Traveler
Por Jesús Casañas
Leer
CINE - LITERATURA - AUDIOVISUAL - PENSAMIENTO - VIDEOJUEGOS
Mostrando entradas con la etiqueta Marcos jiménez González. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Marcos jiménez González. Mostrar todas las entradas
28.6.24
25.5.24
PRESENTACIÓN: "EL TOTALITARISMO EN LAS ARTES. DIÁLOGOS ESTÉTICOS ENTRE EUROPA Y ASIA ORIENTAL", Marcos Jiménez González y Jaime Romero Leo (coords.), Shangrila, 2024
PRESENTACIÓN
VIERNES 31 MAYO 2024 / 19:00h.
MARCOS JIMÉNEZ GONZÁLEZ estará acompañado por
JORGE LATORRE
(Profesor titular de Historia del arte en la Universidad Rey Juan Carlos)
LUCÍA HORNEDO PÉREZ-ALOE
(Profesora de Lengua y Literatura Japonesa en la Universidad de Salamanca)
DANIEL VILLA GRACIA
(Profesor de Comunicación en la Universidad Complutense de Madrid)
Calle Magdalena, nº 32, Madrid
11.5.24
PRESENTACIÓN: "EL TOTALITARISMO EN LAS ARTES. DIÁLOGOS ESTÉTICOS ENTRE EUROPA Y ASIA ORIENTAL", Marcos Jiménez González y Jaime Romero Leo (coords.), Shangrila, 2024
PRESENTACIÓN
SÁBADO 18 MAYO 2024 / 19:00h.
MARCOS JIMÉNEZ GONZÁLEZ estará acompañado por
ALEJANDRO LOZANO
(Profesor de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad de Salamanca)
TERESA INÉS TEJEDA MARTÍN
(Profesora de Lengua y Literatura China en la Universidad de Salamanca)
Calle Rector Lucena, nº 1, Salamanca
31.1.24
II. "EL TOTALITARISMO EN LAS ARTES. DIÁLOGOS ESTÉTICOS ENTRE EUROPA Y ASIA ORIENTAL", Marcos Jiménez González y Jaime Romero Leo (coords.), Valencia: Shangrila, 2024
Introducción (completa)
La huella del totalitarismo en las artes:
hacia una reflexión actual
Jaime Romero Leo y Marcos Jiménez González
El estudio del totalitarismo genera todavía hoy ríos de tinta, estando de rabiosa actualidad tanto en lo político como en lo estético. Los libros, monografías, películas y documentales sobre el auge y caída de los principales totalitarismos del siglo XX gozan de gran éxito, provocando numerosas incógnitas, algunas de las cuales nos proponemos abordar en estas páginas. Para ello partimos de la idea de que esta etapa de la historia ha sido sustancial en los estudios sobre política y sociedad, desde la era de la posmodernidad hasta el presente.
Abordar este tema en las artes resulta complejo desde el principio, ya que el propio término “totalitarismo” suscita conflictos en cuanto a definición y alcance. Hemos decidido que el libro gire en torno a este concepto porque consideramos que engloba aquellas estéticas centrales del primer tercio del siglo XX, surgidas bajo regímenes dictatoriales y cuya influencia artística pervive en el presente. Al ser un trabajo que pretende establecer diálogos entre las artes de distintos lugares del mundo, no podíamos hablar simplemente de estética fascista o de estética nazi, pues reduciría el concepto generando en el lector un sesgo que lo conduciría no solo a un momento histórico determinado sino también a un lugar (Italia y Alemania). La estética totalitaria engloba tanto la fascista como la nazi, además de otras como la soviética, la japonesa o la china, que se abordan en este volumen y de las que se hacen distintos análisis comparativos.
La pretensión principal del libro es actualizar ese estudio desde una perspectiva estética, ya que entendemos que las huellas del periodo totalitario se observan en las manifestaciones de este tipo, al influir en las producciones artísticas del presente. Para ello lo hemos dividido en dos bloques dedicados a Europa y Asia Oriental, sin dejar de lado a Estados Unidos, en los que varios autores reflexionan alrededor de diversas artes, como el cine, las series, la pintura, la literatura, la animación y los videojuegos, entre otras. Europa supone el epicentro de este tipo de estéticas, ya que la propaganda difundida por los distintos regímenes conformó un estilo propio, siendo sustancial en el cine, por ejemplo, que encontró un desarrollo estilístico excepcional en el uso de la técnica y los recursos con los que se trasmitían ideas políticas. La potencia estética de este lenguaje hizo que algunos códigos visuales permanecieran. El capítulo con el que comienza el libro, “Lenguaje visual y estetización del fascismo, de Susan Sontag al Hollywood actual”, es un buen ejemplo de este fenómeno, ya que Marcos Jiménez González analiza la influencia de lo que la teórica de la fotografía, Susan Sontag, denomina “Estética fascista”, exponiendo que este tipo de estilo, a caballo entre la estilización y la estetización del fascismo y del nazismo, se mantiene en algunas producciones cinematográficas estadounidenses actuales. El autor plantea una reflexión sobre si dicha influencia es solamente estética o hay más elementos determinantes para su presencia en el cine comercial.
Cualquier documento sobre fascismo o nazismo muestra imágenes originales de aquel tiempo que se mantienen en el imaginario colectivo, por lo que es necesario, también, indagar sobre la manera en la que los signos y personajes totalitarios se representan en la narrativa y en la gran pantalla. Dicha labor es la que desarrollan María Marcos Ramos y Javier Sánchez Zapatero en “Algunas notas sobre la representación de los victimarios franquistas en el cine de la memoria”. Los autores sostienen que el modo de mostrar a los verdugos en las películas sobre la Guerra Civil española apela más a la emoción característica y necesaria en la narrativa cinematográfica que a una explicación completa del comportamiento de estas personas y del funcionamiento del régimen franquista. Centrándose en el análisis de tres películas −Mientras dure la guerra (Alejandro Amenábar, 2019), Los años bárbaros (Fernando Colomo, 1998) y La lengua de las mariposas (José Luis Cuerda, 1999)−, los autores defienden que el cine de la memoria retrata a estos personajes mediante tres modos de representación, carentes de la profundidad histórica que requiere. En este sentido, Marcos Ramos y Sánchez Zapatero proponen una ardua tarea: mostrar a los victimarios franquistas en su complejidad para que, desde el cine, se entienda que los crímenes del franquismo fueron fruto de una dictadura orquestada y no ocurrencias puntuales de personajes histriónicos o ignorantes, tal y como parece entenderse en su representación tradicional.
En este punto del recorrido europeo se llega a “La creatividad mancillada por la propaganda: cine soviético ‘documental’ y totalitarismo”. La aportación de Jorge Latorre y Oleksandr Pronkevych muestra la gran complejidad de los totalitarismos y sus límites. Mediante un análisis del cine soviético y de películas como Sinfonía del Donbass-Entusiasmo (Entuziazm-Simfoniya Donbassa, Dziga Vértov, 1931) o Tres cantos a Lenin (Tri pesni o Lenine, Dziga Vértov, 1934, 1938, 1970), trasladan al arte soviético el concepto de “creatividad mancillada” propuesto por Rafael Argullol, a propósito del arte nazi y fascista, cuestionándose las fronteras entre la politización de la estética y la estetización de la política, en palabras de Walter Benjamin. Se trata de una propuesta atrevida que conduce a reflexiones cruciales: en qué medida puede diferenciarse en la actualidad la estética de películas como El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens, Leni Riefenstahl, 1935), potenciadora de los valores del nazismo, de la de otras cintas, como Sinfonía del Donbass-Entusiasmo, por ejemplo, cuando ambas muestran unas imágenes muy similares, o la influencia que esta iconografía tiene en el cine actual, cuestión que los autores abordan desde el análisis de la película ucraniana Atlantis (Valentyn Vasyanovych, 2019).
En el ejercicio de encontrar la presencia de rasgos totalitarios en las artes hemos querido dialogar con otros medios audiovisuales, como los videojuegos, donde la ruptura posmoderna entre el creador y el espectador es mucho más notable que en el cine. En el capítulo “Seguir las reglas. El totalitarismo como sistema y experiencia de juego” Alejandro Lozano realiza un acercamiento a los totalitarismos a través de los elementos y la jugabilidad planteada en el videojuego Papers, please (2013). Si bien los videojuegos enmarcados en las experiencias del totalitarismo son numerosos, Papers, please plantea una propuesta original, al situarnos en el rol de un funcionario anónimo al servicio de un Estado totalitario. Dichas características singulares del juego permiten a Lozano traer a colación a filósofos de la talla de Schiller para incluirlos en su análisis (cuyo enfoque se enmarca en la estética de los videojuegos, que es su área de especialidad) y de Hannah Arendt (cuyas referencias a la banalidad del mal se imbrican con las preguntas sobre el “disfrute” que las experiencias desencadenadas por estos juegos de temática totalitaria aportan al jugador), entre otros.
Como vínculo entre la parte europea y la de Asia Oriental encontramos el capítulo “Adolescencias bajo el fascismo: imágenes y representaciones del sistema educativo en El hombre en el castillo”, en el que Mariano Urraco Solanilla y Mario Ramos Vera trabajan sobre la adaptación al formato teleseries de la novela ucrónica de P. K. Dick, tras hacer una contextualización de algunos de los elementos teóricos y visuales más importantes compartidos por el fascismo y por el nazismo. El texto busca indagar en uno de los aspectos menos estudiados de la literatura que se ha producido en torno a la popular serie: la representación del paso de la niñez a la edad adulta en los territorios ocupados por las potencias del Eje, las que han salido victoriosas en aquel mundo alternativo de la Segunda Guerra Mundial. En El hombre en el Castillo, la parte oriental de EEUU, por ejemplo, ha sido ocupada por la Alemania Nazi. Este capítulo sitúa su análisis en aquel territorio en concreto para plantear una reflexión sobre algunos de los elementos del sistema escolar y de los valores inculcados a los jóvenes estadounidenses desde Berlín.
Sin duda, el primer referente del totalitarismo (en su sentido contemporáneo) en Asia Oriental sería Japón y su idea de la Gran Asia, dirigida y encabezada por el Imperio nipón. Replicando, en muchas ocasiones, las dinámicas y discursos de la Europa colonial, Japón inició durante la primera mitad del siglo XX su expansión por Asia, desencadenando con ello la reacción política, armamentística e ideológica de sus vecinos más inmediatos. De este modo, los movimientos comunistas, que ganarían peso en China y Corea del Norte, se posicionaron como respuesta al avance del Imperio. En aquel caldo de cultivo entre diversas teorías y modelos sociales y políticos de corte totalitario, que obtuvieron protagonismo en aquella parte de Asia, se hallaban muchos de los ingredientes que operaron en aquellos mismos años en Europa. Por ello la segunda parte del libro se encarga de las obras artísticas caracterizadas por estos elementos.
Para empezar, Jaime Romero aborda las contundentes declaraciones de Ōtsuka Eiji sobre “el origen fascista de la cultura otaku”. Ōtsuka está considerado hoy en día como uno de los teóricos contemporáneos más importantes de la cultura popular japonesa, ostentando un puesto como investigador en el prestigioso Centro Internacional de Investigación de Estudios Japoneses [Nichibunken]. Dejando a un lado la valoración sobre el acierto o el desacierto de sus afirmaciones, Romero trata de contextualizar y desgranar los motivos y el origen de las propuestas que el autor japonés desarrolló en diversas obras y artículos en la primera década de los 2000. La reflexión central, desde la que Ōtsuka llevó a cabo sus análisis, parte del momento histórico en el que situó el origen de la estética que envolvería al manga y al anime contemporáneo: la Guerra de los quince años (1931-1945). En esta línea, Lucía Hornedo, en el capítulo “Sakaguchi Ango: paradigma literario de la oposición al totalitarismo”, presenta al escritor japonés Ango Sakaguchi, situando el impacto que algunos de sus ensayos tuvieron en la inmediata posguerra japonesa, como, por ejemplo, Sobre la decadencia (1946) o Más sobre la decadencia (1946), los cuales fueron traducidos por la propia doctora Hornedo para la editorial Satori, en 2020. El análisis de la autora busca conectar la literatura de Ango no solo con el contexto pos-imperial, sino también con las sucesivas crisis y levantamientos estudiantiles vividos por Japón desde entonces y hasta la actualidad. Pasando, así, por las protestas contra el Ampo (Tratado de Cooperación y Seguridad Mutuas entre Estados Unidos y Japón) y las revueltas del 68 japonés, hasta finales del siglo XX, con el terremoto de Hanshin-Awaji y el traumático atentado con gas sarín en el metro de Tokio, Hornedo presenta a un escritor cuya lectura, aun enmarcada en el contexto militarista, lo trasciende, sirviendo de bálsamo a un país marcado por las sucesivas crisis de su historia reciente.
Estableciendo un diálogo entre el lenguaje textual y el iconográfico, Teresa I. Tejeda, en “Violencia y discurso: la Revolución Cultural China en Brothers, de Yu Hua”, aborda el concepto de “violencia cultural” en el contexto de la Revolución Cultural China. Para ello, la autora plantea una serie de confluencias entre arte, cartelería, propaganda, literatura y proclamas revolucionarias que, en aquel momento de efervescencia desatada por Mao, el Gran Timonel, derivaron en olas de violencia inusitada contra todo aquel considerado enemigo de la revolución. Tejeda no se detiene en la revisión histórica, sino que la miríada de reflexiones planteadas por escritores, psicólogos e investigadores sirve de sustrato al análisis de Brothers, la novela en dos volúmenes escrita por Yu Hua en 2005, en la que su autor plasmó las oscuras derivas de la Revolución Cultural desde el humor, la ironía y la descripción descarnada de los violentos actos ocurridos.
El tejido constituido entre las distintas artes culmina con capítulos dedicados al cine, en los que se valora tanto el lenguaje visual como el contexto y el significado histórico de los filmes. En este viaje del texto hacia la gran pantalla, Daniel Villa presenta en su capítulo “La mirada crítica: el imperialismo en el cine japonés de postguerra” un marco histórico general en el que fija parte de la producción fílmica realizada en Japón desde la posguerra hasta nuestros días. Con el fin de rastrear los rasgos militaristas que han impregnado la producción cinematográfica japonesa desde 1945, el doctor Villa dedica la primera parte de su texto a una contextualización histórico-ideológica del inicio, consolidación y caída del imperialismo japonés para, seguidamente, desentrañar algunos de los títulos que, de manera directa o velada, criticaron la etapa totalitaria en la que se vio envuelto el país en la primera mitad del siglo XX. El autor presta especial atención al festival de Cannes, estableciendo un minucioso recorrido por las películas japonesas premiadas en las últimas décadas. Tras hacer un paralelismo entre la ideología de los filmes y su adecuación a los argumentos universales, propuestos por Jordi Balló y Xavier Pérez en su famosa obra La semilla inmortal (1995), muestra cómo las referencias a los traumas del militarismo, si bien han ido diluyéndose con el paso de los años, siempre han estado presentes de un modo u otro.
El recorrido por Asia Oriental termina, como no podía ser de otra manera, con un análisis comparativo de la influencia icónica entre continentes, de la mano de Joseba Bonaut, quien, en el capítulo titulado “Apropiación propagandística de los discursos narrativos y estéticos del Blockbuster estadounidense de acción: los casos de ISIS y Corea del Norte”, plantea un recorrido en torno al blockbuster norteamericano, llevando a cabo para ello una contextualización histórica y un análisis de algunas de sus características estéticas más determinantes. El objetivo del capítulo es vislumbrar por qué dichas cualidades han sido recibidas y usadas, precisamente, por los enemigos reconocidos de Estados Unidos. De este modo, tras presentar algunos ejemplos contemporáneos, como el caso del ISIS, el autor se detiene en la producción propagandística de Corea del Norte en los últimos años, en concreto, en el vídeo emitido por la KCTV el 25 de marzo de 2022 con motivo del lanzamiento del nuevo misil balístico intercontinental (ICBM). Bonaut examina, así, la manera en la que las características estéticas descritas al comienzo de su escrito son asimiladas y puestas al servicio de la propaganda militar norcoreana.
Todas estas aportaciones ayudarán al lector a establecer un mapa que lo acerque a la presencia de los elementos totalitarios en la narrativa y en las artes, cuestionándose el motivo de su atractivo estético y la relación que, como lectores o espectadores, tenemos con el totalitarismo; el cual, lejos de desaparecer, se torna omnipresente e interesante bajo el yugo de la representación, esperamos.
29.1.24
NOVEDAD: I. "EL TOTALITARISMO EN LAS ARTES. DIÁLOGOS ESTÉTICOS ENTRE EUROPA Y ASIA ORIENTAL", Marcos Jiménez González y Jaime Romero Leo (coords.), Valencia: Shangrila, 2024
278 páginas - 16x23 cm. - Valencia: Shangrila - ISBN: 978-84-127663-1-8
Los totalitarismos que se conformaron durante la primera mitad del siglo XX supusieron un antes y un después en la historia reciente, ya que no es posible imaginarse la sociedad actual sin la experiencia devastadora de los sucesos que se desencadenaron en Europa y Asia Oriental durante aquellos años. Los diferentes conflictos, que llegarían a su culmen con la Segunda Guerra Mundial, dejaron traumas difíciles de superar, manifestándose en las distintas artes a través de temas como el nacionalismo, el militarismo y las cuestiones raciales y coloniales. De acuerdo con este contexto, el presente libro agrupa varios capítulos en los que se visibilizan las presencias contemporáneas de las estéticas surgidas por entonces, mediante un diálogo entre Europa y Asia Oriental, en el que se analizan sus relaciones artísticas.
Dicha propuesta se fundamenta en la observación de que ciertos aspectos estilísticos, propios del siglo pasado, permanecen vigentes en el pensamiento, la pintura, la moda y la cultura del entretenimiento. Por ello, proponemos un acercamiento desde diversos ámbitos, como el del cine, los videojuegos, la literatura, la pintura y el anime, con los que vislumbrar la presencia de las estéticas totalitarias en la producción cultural actual. El objetivo de este libro es mostrar que el alcance del totalitarismo no se reduce al siglo XX ni al campo de la política y de la moral, sino que continúa vigente en nuestros días, impregnando incluso espacios como el de la estética. Pretendemos, en definitiva, estimular la reflexión sobre la profundidad de las huellas y la extensión de la sombra del totalitarismo, sobre todo en las artes, donde su presencia se ha vuelto cotidiana, tal y como se podrá descubrir en estas páginas.
MARCOS JIMÉNEZ GONZÁLEZ
Graduado y doctor en Filosofía, se especializó en la rama de Estética y Teoría de las Artes, centrándose en la Estética del cine, ámbito donde realiza su labor docente e investigadora. En 2018 publicó su primer libro, Romanticismo, técnica y poder en la Arquitectura de Albert Speer (editorial Ápeiron) y el segundo en 2022, Fritz Lang y el expresionismo (Shangrila). Ha sido profesor asociado en la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) y colaborador en la Universidad a Distancia de Madrid (UDIMA), así como investigador posdoctoral Margarita Salas en la Universidad de Salamanca (USAL), contrato con el que realizó estancias de investigación en el Instituto de Filosofía (IFS) del CSIC y en la facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Actualmente es profesor en la Universidad de Zaragoza (UNIZAR), en la Unidad Predepartamental de Filosofía (área de Estética y Teoría de las Artes).
JAIME ROMERO LEO
Doctor en Filosofía por la Universidad de Salamanca, la misma en la que obtuvo el Grado en Filosofía y el Máster en Estudios Avanzados en Filosofía con especialidad en Estética y Teoría de las Artes. A lo largo de su formación académica ha participado en diversas publicaciones y actividades relacionadas con su ámbito de investigación, destacando sus colaboraciones con entidades como Fundación Japón Madrid, Casa Asia y el Centro Cultural Hispano-Japonés de Salamanca. Además, ha realizado estancias de investigación en la Universidad de Nanzan (Nagoya) y el Instituto de lengua y cultura japonesa de Fundación Japón Kansai (Osaka) y la Universidad de Roskilde (Copenhague). En la actualidad realiza su investigación en la Universidad de Nagoya como becario MEXT.
7.10.22
29.9.22
25.3.22
PRESENTACIÓN DE "FRITZ LANG Y EL EXPRESIONISMO" EN LA LIBRERÍA SIN TARIMA (MADRID)
Presentación de Fritz Lang y el expresionismo
el pasado día 12 de marzo en la librería Sin Tarima (Madrid).
el pasado día 12 de marzo en la librería Sin Tarima (Madrid).
Marcos Jiménez González, autor del libro, con Concha Roldán (Directora del Instituto de Filosofía del CSIC) y Jorge Latorre (Profesor titular de Historia del Arte de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid)
9.3.22
III. "FRITZ LANG Y EL EXPRESIONISMO", Marcos Jiménez González, Valencia: Shangrila 2022
FRITZ LANG Y EL EXPRESIONISMO
[...]
1.2. Acercamiento a una teoría estética del expresionismo
La necesidad de explicar el concepto de expresionismo surge porque tradicionalmente se ha categorizado a Fritz Lang como cineasta expresionista, habiéndose alejado él mismo de dicha etiqueta, lo que implica una contradicción a la hora de realizar un análisis estético de su obra. La cuestión de si el director es expresionista o no ha sido tratada y debatida por multitud de teóricos, e incluso fue un tema del que él mismo habló ya años más tarde, para negar su pertenencia al movimiento y, después, para aceptar que, al haber hecho cine en la Alemania de los años veinte, sus películas podían tener algunos rasgos expresionistas, siempre adaptados a un estilo personal. Las declaraciones son las siguientes: “No sé qué es el expresionismo. [...] Paul Wegener lo dijo hoy, y yo lo repito a menudo: no soy expresionista y no quiero hacer películas expresionistas”. (4) Estas palabras las dijo en 1967, cuando fue invitado al Festival de Venecia, como miembro de una mesa redonda en torno al tema del expresionismo en el cine. Más tarde, en el número 99 de la revista Cahiers du Cinéma se mostraba algo más flexible con el movimiento: “Uno no puede pasar por una época sin formar parte de ella… Yo he usado el expresionismo: he intentado dirigirlo”. (5)
4. CIMENT, Michel, FOFI, Goffredo, SEGUIN Louis y TAILLEUR, Roger, “Fritz Lang in Venice”, en Fritz Lang: interviews, Grant, B. Keith (ed.), United States of America: University Press of Mississippi, 2003, p.91.
5. Revista Cahiers du Cinéma citada en EISNER, Lotte. H., Fritz Lang, London: A Shadows Book, 1986, p.141.
El conflicto surge porque estas declaraciones están olvidadas en la concepción general de su figura, siendo ubicado en la etiqueta de cineasta expresionista en numerosos artículos de prensa o incluso en libros sobre cine, sin dar cuenta de que se trata de un director mucho más complejo, que entremezcla varios estilos y géneros, dando lugar a un estilo propio. En la investigación se analizarán las corrientes artísticas que confluyen en sus películas, sin embargo, conviene aclarar el término expresionismo, en general, y el de cine expresionista, en particular, para entender el porqué de esta categorización, convertida ya en un tópico, que aquí se pretende desmontar.
La corriente expresionista es ambigua ya desde sus orígenes, a principios del siglo XX, debido, primero, a que todavía hoy existen varias teorías sobre la forma en la que surgió y, segundo, a que no cuenta con un manifiesto o texto concreto que la defina, como sí ocurría con el dadaísmo o el futurismo, por ejemplo. (6) Se la ha concebido como heredera de varias corrientes artísticas predominantes en el siglo XIX, entre las que destacan el romanticismo, el simbolismo o el Jugendstil, no solo en cuanto a forma artística sino también en lo que concierne al expresionismo como proyecto de pensamiento o como cosmovisión en general. (7)
6. Por un lado, se contempla que el término “expresionista” apareció por primera vez en una exposición de Julien Auguste Hervé, en el salón de los Independientes de París, en 1901, en la que el pintor denominó a los cuadros expuestos como “expressionismes”. Por otro lado, el origen del término se le atribuye al crítico de arte Louis Vauxcelles, quien en una exposición definió los cuadros de Matisse como expresionistas. Asimismo, se contempla la posibilidad de que el galerista Paul Cassirer dijera, en una exposición, que los cuadros expuestos no eran impresionistas sino expresionistas. Por su parte, John Willet apunta que es probable que el término “expresionista” hubiera aparecido en 1850 en “Tait’s Edinburgh Magazine”. También en una conferencia sobre pintura moderna impartida por Charles Rowley, en 1880, y en una novela titulada The bohemian (1878). (Véase WILLET, John, El rompecabezas expresionista, Madrid: ediciones Guadarrama, 1970, p.25). El único dato fiable del origen de la palabra se encuentra en el prefacio del catálogo de la vigesimosegunda exposición de la Secesión de Berlín, en 1911, donde sí aparece por escrito la controvertida palabra. (Todas las teorías del origen de la palabra expresionismo están explicadas detalladamente en DEITER DUBE, Wolf, Los expresionistas, Barcelona: Destino, 1997).
7. Véase SELZ, Peter, La pintura expresionista alemana, Madrid: Alianza Editorial, 1989.
Los estudiosos de esta época valoran el cambio cultural y social que se produjo en el siglo XIX y que perdura hasta el presente. Autores como Isaiah Berlin o Rüdiger Safranski, entre muchos otros, son conscientes de la transformación que las corrientes como el romanticismo supusieron en todas las facetas del pensamiento. Las vanguardias, en general, siguen la estela de los cambios del siglo anterior, basándose en los principios de renovación y de ruptura, para crear un arte y un paradigma nuevos. Esto es, en gran medida, lo que ocurre con el expresionismo alemán, que se formó como proyecto artístico y moral en el que predominaba la creación de un arte nuevo y, sobre todo, el surgimiento de un Hombre Nuevo que actuara de acuerdo con unos valores renovados, en los que la creación artística tuviera especial importancia. A principios de siglo, fueron los pintores, mediante diversos grupos y exposiciones, los que formaron parte de esta corriente que se consolidó como tal a raíz del nacimiento del grupo de artistas El puente (Die Brücke). (8) Había muchas diferencias entre el pensamiento de los artistas: algunos llegaron a cambiar de grupo por conflictos ideológicos; sin embargo, estaban unidos por el ímpetu de cambiar el mundo a través del Hombre Nuevo. Esta idea es herencia de la concepción romántica del individuo: un ente creador que transforma el mundo desde su interior. En este sentido, la parte sentimental de los sujetos tiene especial importancia en el expresionismo, es decir, que no puede ser concebido como una simple forma de arte, sino como una forma de vivir, como el estado de ánimo al que se refirió Yvan Goll al intentar definirlo. (9) El movimiento, así, es hijo del pensamiento decimonónico en cuanto a la continua exaltación del individuo, del interior del sujeto, del sentimiento y de la imaginación. De hecho, Bernard Denvir, en su obra ya mencionada, lo define en un sentido amplio y en otro específico y, en su faceta amplia, lo denomina como el término que es usado para “describir obras de arte en las que predomina el sentimiento sobre el pensamiento, en las que el artista utiliza su medio no para describir situaciones, sino para expresar emociones”. (10)
8. Este grupo nació en 1905, siendo el primer conjunto de artistas expresionistas; fue fundado por los pintores Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl y Karl Schmidt-Rottluff, a los que después se sumaron Emil Nolde, Otto Müller y Max Hermann Pechstein, en 1906. En 1909, surge un nuevo grupo de artistas expresionistas llamado Nuevo conjunto de artistas noveles (Neue Künstlervereinigung), formado por los artistas Vasili Kandinsky, Alexej von Jawlensky, Marianne von Werefkin, Gabriele Münter, Adolf Erbslöh, Alexander Kanoldt y Alfred Kubin. Este grupo llegó a realizar tres exposiciones importantes entre 1909 y 1912, pero por lo que más se le reconoce es por haber sido una especie de puente para el surgimiento del grupo expresionista más relevante después de Die Brücke: El jinete azul (Der blaue Reiter). Este nuevo grupo, creado en 1911, estaba compuesto por quince pintores: Albert Bloch, David Burliuk, Heinrich Campendonk, Clotilde von Derp, Natalia Goncharova, Lyonel Feininger, Wassily Kandinsky, Alexej von Jawlensky, Paul Klee, Alfred Kubin, August Macke, Franz Marc, Gabriele Münter, Marianne von Werefkin y Arnold Schoenberg.
9. “[...] el movimiento expresionista no fue una forma artística sino una disposición de ánimo […]” (Yvan Goll citado en DEITER DUBE, Wolf, op. cit., p.207).
10. DENVIR, Bernard, El fauvismo y el expresionismo, Barcelona: Labor, 1984, p.3.
Por tanto, conviene entender el expresionismo como un movimiento complejo, que comenzó como vanguardia rompedora y transformadora, cuyo rasgo principal es la expresión y manifestación de los estados de ánimo y de los sentimientos de los individuos, en los que la faceta trágica de los mismos, su parte tenebrosa y sombría, tiene un papel fundamental. De ello han dado cuenta varios pensadores que, a propósito del movimiento, señalaron su carácter tétrico, lóbrego e, incluso, grotesco, como aspectos relevantes. Es el caso de Gilles Deluze, filósofo francés que llegó a declarar:
Lo que el expresionismo invoca no es la clara mecánica de la cantidad de movimiento en el sólido o el fluido, sino una oscura vida cenagosa en la que se hunden todas las cosas, bien sea desmenuzadas por las sombras, bien sumergidas en las brumas. La vida no orgánica de las cosas, una vida terrible que ignora la sabiduría y los límites del organismo, tal es el primer principio del expresionismo, válido para la Naturaleza entera, es decir, para el espíritu inconsciente perdido en las tinieblas, luz ahora opaca, lumen opacatum. (11)
11. DELEUZE, Gilles, La imagen−movimiento: estudios sobre cine 1, Barcelona: Ediciones Paidós, 1983, p.79.
En este sentido, también es adecuada la definición que propone Jean Mitry:
Es entonces un universo tenebroso, un mundo de pesadillas que traducen las visiones demoníacas de Alfred Kubin, las contorsiones de César Klein o, con Emil Nolde, Kokoschka y algunos otros, un onirismo muy cercano al surrealismo. En efecto, desprendido de su mística el expresionismo se reduce a una deformación sistemática, a un arte de lo grotesco que, bajo diversas tendencias, representan bastante bien Bela Kadar, en Hungría, y en Francia, Coerg, Soutine, Rouault y el Picasso del último estilo. (12)
12. MITRY, Jean, Estética y Psicología del cine 1. Las estructuras, Madrid: Siglo XXI Editores, 1978, p.249.
El propio Fritz Lang declaró que durante aquellos años muchas personas “hicieron de la tragedia un fetiche” (13), naturalizándose una tendencia pesimista generalizada. Las características del movimiento no se reducen entonces a la clásica oposición entre impresionismo y expresionismo, convertida también en un tópico que intenta buscar una explicación al surgimiento del segundo, tal y como hace Hermann Bahr en su obra Expresionismo (1916) (14), sino que responden más bien a un fenómeno más ambiguo en el que entran factores sociales e históricos, además de estéticos. Hay que tener en cuenta también que es herencia del pensamiento y del arte decimonónico europeo en general y no solo del alemán; no influyen únicamente pensadores y escritores germánicos de la talla de Nietzsche, Goethe o E.T.A Hoffmann, sino que también son importantes figuras irlandesas, como Oscar Wilde, francesas, como Charles Baudelaire o Víctor Hugo, y rusas, como Dostoievski. (15)
13. Fritz Lang citado en JENSEN, Paul, Sombras en el cine de Fritz Lang, Madrid: Ediciones JC Clemente, 1990, p.10.
14. Véase BAHR, Hermann, Expresionismo, Valencia, Artes Gráficas Soler, 1998.
15. La oposición entre impresionismo y expresionismo, así como la influencia del arte decimonónico en el ismo alemán ya ha sido abordado en JIMÉNEZ GONZÁLEZ, Marcos, “La ambigüedad del expresionismo alemán y su influencia romántica: vanguardia y cine”, en Paradoxa, nº 19, 2017, pp.113-130.
[...]
8.3.22
II. "FRITZ LANG Y EL EXPRESIONISMO", Marcos Jiménez González, Valencia: Shangrila 2022
PRÓLOGO
JOSÉ LUIS MOLINUEVO
Con frecuencia una categoría es la suma de malentendidos asociados a un nombre. Este libro nos introduce en algunos explorando de manera paradójica muchas de sus posibilidades. Raro es el creador que se reconoce en una etiqueta que le ubica para sus contemporáneos y le momifica para los siguientes. Siente que le roba lo que más aprecia, la relación inmediata con su público, envolviéndolo en una madeja de conceptos emocionales vacíos, pero le garantiza el paso a la posteridad. Es el óbolo textual de Caronte. Revisarla es, en cierto modo, revivirlo. Es lo que hace este libro.
Su título es escueto, pero no simple ya que apunta a una realidad compleja: la vinculación de alguien catalogado como genio y un tópico que siempre le ha acompañado y del que reniega parcialmente, el expresionismo. El autor, como muestra de respeto no muy frecuente, ha procedido a contrastar las opiniones del Lang con el análisis icónico de la obra antes de sumergirse en la ingente literatura producida en torno a ella. Quizá esto no se perciba en la obligada presentación lineal del libro y es necesario subrayarlo pues constituye uno de sus múltiples aciertos. Raramente la exposición, que parte de resultados, reproduce la investigación que va siguiendo ilusionada hipótesis nacidas de la percepción de las imágenes. Desarrollarla implica un doble esfuerzo argumentativo: textual e icónico. Merece la pena detenerse en ello.
La argumentación textual descansa en el conocimiento de la literatura especializada y de la cita oportuna. Ambas cosas se encuentran de entrada en un grado no habitual incluso para los estándares académicos. Pero, a diferencia de estos, el autor no se limita a reproducir y acumular, sino que tiene criterio, dialoga y toma postura ante los temas controvertidos de una forma tan clara como matizada. Eso explica la diáfana estructura del libro, la llamada de atención al lector sobre sus diferentes partes y el camino recorrido y por hacer junto con la precisión en las afirmaciones, a veces en apariencia demasiado taxativas, inhabituales en este tipo de textos, pero en modo alguno gratuitas. Vienen sustentadas en lo que ha sido el substrato de la investigación previa, no solo en el contraste con la literatura especializada, sino de modo particular por el análisis minucioso de las imágenes y de los recursos estilísticos empleados. Junto al diálogo sostenido con otros intérpretes cabe destacar, sobre todo, la argumentación icónica bajo la forma de mostrar, describir, aquello de lo que está hablando mediante las “correspondencias” explícitas de las imágenes. Afinidades y diferencias de estilos y etapas quedan así iluminados en el claroscuro. No estamos ante el típico libro que habla de imágenes sin que estas aparezcan en él, deban ser imaginadas por el lector, o sirvan de mera ilustración a los conceptos ya preconcebidos. Insiste el autor en que el suyo es un análisis estético, que parte de la obra, no de la teoría y logra transmitir al lector el placer inteligente de su percepción.
La estética de una época es su tiempo en imágenes. La insistencia de Marcos Jiménez en la atención debida al contexto ya sea social o artístico, no es baladí. Bastan dos de las imágenes que introduce de Moloch, sus correspondencias en Metrópolis y Kubin, para darse cuenta de ello. A una Europa convulsa de comienzo del siglo XIX por las guerras napoleónicas le corresponde otro en el siglo XX con la Primera Guerra Mundial. Ambos casos suponen la crisis y final del idealismo, pero no del romanticismo en sus múltiples versiones, incluso bajo el nombre de modernidad estética y vanguardias. El autor pone el acento con razón en ello. Los primeros manifiestos del cine que celebran el que “ha llegado el tiempo de la imagen” (para el que se sentían tan poco preparados entonces como ahora) creen ver en el cine el único arte capaz de expresar directamente su época, sin mediaciones, sin traducciones, un nuevo “esperanto” dirá Fritz Lang, en la crisis del final de las artes, la literatura y la filosofía. En su reverdecer francés no podrá por menos de considerarse un “dinosaurio” de ese proyecto mirando melancólicamente las cabezas tintadas de los dioses en El desprecio. El paso del cine como arte a la industria más o menos cultural fue devastador para esa generación.
Como bien explica el autor, Lang vivió en lo que se ha dado en llamar el “tiempo de los dioses”, no necesariamente el mismo para todos y los mismos dioses. La caracterización de su cine como la lucha del individuo contra el destino y las circunstancias, interpretado en clave griega, se beneficia de ello. A la crisis del romanticismo clásico cuando el individuo se siente abandonado por el infinito, dios o la naturaleza se une en el romanticismo oscuro el rechazo de la sociedad. Los nuevos héroes trágicos no conservan la grandeza equívoca de los antiguos, pero los enriquecen con su ambigüedad llena de claroscuros no ejemplares. Es el fruto del mestizaje de las dos líneas estéticas de luz y oscuridad cuya dialéctica ha enhebrado Marcos Jiménez como aportación original más allá del tratamiento estrictamente cinematográfico o biográfico. Y es así como la palabra Destino con mayúscula se concreta en la palabra circunstancias, en apariencia minúsculas, pero tan paralizantes como los hilos de Gulliver, ya sea el vecino maledicente, el trabajo alienante o la injusticia que desata la venganza. El autor ha utilizado muy bien esa oscilación entre el destino y las circunstancias para trazar un puente entre las dos etapas, la alemana y la americana.
Conviven, pues, en Lang tanto la clave mitológica, el retorno de los dioses a través del “poder de las imágenes”, como la crítica social con bases documentales. Lang se remite a las gestas de un equívoco y moderno Prometeo, pero también recurre a la crónica de sucesos amarillista para nutrir los imaginarios de sus películas. Ello ha propiciado una obra compleja tildada a veces como contradictoria, sin sacar todo el jugo a la palabra y condicionando su recepción: unos simplifican destacando la vecindad con lo totalitario y otros no ven la crítica social si no es a través de la denuncia explícita, verbal, a ser posible. El autor da un paso más allá de la contradicción evidente y utiliza en su análisis estético la categoría del fin de las categorías, la de lo interesante, ambigua y llena de posibilidades de conocimiento. Se entiende así mejor esa atracción poco “ejemplar” en el arte por la fuerza estética de lo negativo, trágico, por el mal, en definitiva, a la vez que la rebelión contra esa condición humana atrapada por un inexorable destino antiguo llamado ahora imprevisible circunstancia.
Fritz Lang, acaso pensando en el Fausto de Goethe, dijo que cuando alguien teoriza sobre algo es que ya está muerto, pero no se ha resistido a tejer su propia leyenda prometeica para la posteridad, perfilándose con monóculo vintage y coqueto parche negro de pirata, recreándose en sucesivas variantes sobre los motivos de su exilio, ejerciendo de genio tirano en los rodajes y posando de humilde trabajador del medio en las entrevistas, dejando un puñado de filmes irrepetibles que han pasado a la historia del cine y se siguen viendo con asombro aún entre los jóvenes. Marcos Jiménez, autor de este libro singular y lleno de matices, le ha hecho beber en él, como Ulises en la Odisea, la “negra sangre” de la teoría y lo ha revivido estéticamente para nosotros en toda su complejidad.
7.3.22
NOVEDAD: I. "FRITZ LANG Y EL EXPRESIONISMO", Marcos Jiménez González, Valencia: Shangrila 2022
406 páginas - 16X23 cm. - Valencia: Shangrila 2022
Fritz Lang, considerado como uno de los máximos exponentes del cine expresionista alemán, destaca por la ambigüedad y el atractivo de la contradicción. Desde los inicios de su carrera se distanció verbalmente del expresionismo, quedando, no obstante, enmarcado bajo esta categoría dentro de la Historia del cine.
En este libro se analizan las relaciones estilísticas entre la principal corriente de vanguardia alemana y sus películas, mediante un ejercicio comparativo en el que el lector hará un recorrido por sus grandes títulos, desde Metrópolis, hasta Perversidad, pasando por M, el vampiro de Düsseldorf. Sin embargo, no es un libro centrado exclusivamente en el ámbito cinematográfico, sino abierto al diálogo con otras artes, como la pintura o la arquitectura, teniendo en cuenta que las conexiones existentes entre ellas otorgan una perspectiva más amplia en cuanto a la concepción de los filmes en su conjunto y contexto. Por ello, es sustancial el análisis del cine de la República de Weimar, complejo y ecléctico, y la definición del término oscuro-expresionismo, concepto que intenta aclarar algunos de los problemas englobados en esta corriente.
En definitiva, y con las dificultades que conlleva enfrentarse a la obra de un genio, el lector se adentrará en la vida y la obra de Fritz Lang desde una perspectiva artística y estética, mediante la que se pretende actualizar el estudio de su carrera, siendo importante el aspecto biográfico con los conflictos que presenta, ya que la concepción de su figura, encumbrada y llena de luces, expuestas en este libro, dista de otras versiones expuestas en este texto, en las que se aprecian grandes sombras; cuestión difícil de aceptar y que le baja del pedestal en el que se le sitúa.
Marcos Jiménez González (Cuevas del Valle, 1991). Graduado y Doctor en Filosofía por la Universidad de Salamanca, se especializó en la rama de Estética y Teoría de las Artes, centrándose en Estética del cine, ámbito donde realiza su labor docente e investigadora.
A lo largo de su trayectoria ha publicado artículos en varias revistas de investigación, destacando las contribuciones en Communication & Society, Archivos de la Filmoteca, Fedro: revista de Estética y Teoría de las Artes o Fotocinema. Asimismo, ha participado en obras colectivas, como Autonomía y valor del arte (Editorial Comares) o De esclavos y robot y esclavas (Libros de la Catarata). En 2018 publicó su primer libro, Romanticismo, técnica y poder en la Arquitectura de Albert Speer (editorial Ápeiron), y ha colaborado con algunas revistas de divulgación cultural y cinematográfica, como Versión Original o Drugstore.
Profesor en la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) y en la Universidad a Distancia de Madrid (UDIMA), actualmente realiza una estancia posdoctoral en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), donde trabaja sobre las relaciones entre filosofía, cine y sociedad, en el marco del grupo de investigación Theoria cum Praxi (TcP).
Más información:
Suscribirse a:
Entradas (Atom)